Dans le bar, Boris Belay nous propose une petite histoire de la Bolex à travers différents modèles issus de sa collection, le tout accompagné de documents de travail inédits de Rose Lowder, ainsi que de deux films et des photos d’Anita Conti, en lien avec la programmation "Histoires de pêches". Exposition du 09.04 -> 07.06 VERNISSAGE 10.04 > 18:30

En 2024, la Maison de l’argentique a été crée en rassemblant les adeptes du cinéma en pellicule, pour mutualiser les savoirs, échanger outils et techniques ou tout simplement se connaître et partager des sensibilités cinématographiques singulières. Sans véritable toit, cette maison se ballade au fil des envies et énergies de ceux qui l’ont rêvé comme un lieu de rencontre ouvert et à réinventer continuellement. Pour notre plus grand plaisir, c’est au Nova qu’elle a élu domicile cette fois. Boris Belay, un de ses co-fondateur, nous propose un atelier pratique de démontage de la Bolex. Il est un des derniers en Belgique à pouvoir réparer cet outil légendaire qu’il connait sur le bout des doigts. Suivant les spécificités de chaque modèle, il propose régulièrement à des cinéastes de les accompagner dans leur choix de caméra et de leur fournir l’outil qui sera le plus adapté à leur pratique. Apportez votre caméra si elle a besoin d’un soin particulier ou venez en simple curieux, cet après-midi-atelier autour de la Bolex promet d’être riche.

Conférence manipulée à deux voix et quatre mains de Boris Belay et Vincent Sorrel autour de la conception de la caméra Bolex H 16 : il s’agit d’explorer la conception de l’outil pour mieux envisager les spécificités de son utilisation par rapport à d’autres appareils. Sur la table, les caméras amenées par Boris et des archives de la société Bolex apportées par Vincent ainsi qu’un document filmé qui explore l’anatomie de la caméra depuis ses origines, l’Autociné conçue par Boolski. Pourquoi cette caméra "amateur", conçue entre 1931 et 1935, est-elle encore utilisée aujourd’hui dans des écoles de cinéma ou par les cinéastes les plus expérimentateurs ?

L’originalité de cette proposition est de présenter, en relation avec les films, la caméra avec laquelle ils ont été tourné pour mieux envisager les liens entre l’expressivité de l’outil et celles des oeuvres. Et si la Bolex H 16, véritable boîte à rythmes visuels, était conçue comme un instrument de musique mécanique ? Pour répondre à cette question, Vincent Sorrel nous fera voyager à travers les films et les archives du fabricant jusqu’au plateau de Sainte-Croix, dans le Jura suisse, où était implantée la société Paillard S.A., afin d’explorer le paysage de cette invention.

Des courts métrages contemporains pour voir ce que la Bolex produit comme forme de cinéma aujourd’hui.

Les débuts de la London Film-Makers’ Co-op sont marqués par une vague de films qui s’inscrivent dans le courant structuraliste, qui mettait l’accent sur la matérialité du film et sur son processus de fabrication. Effets spéciaux réalisés au tirage, superpositions, manipulations de couleurs, boucles... de nombreux films du début des années 1970 révèlent les actions directes réalisées sur la pellicule, transformée en véritable "medium plastique". Le travail sur la perception spatiale et temporelle du spectateur était également central, visant souvent à rompre avec la simple réception passive du cinéma. Parmi les nombreux artistes qui ont fréquentés la LFMC dans les années 1970, Guy Sherwin en est une des figures les plus emblématiques. Son cinéma allie la recherche formelle à une dimension profondément personnelle, explorant les mécanismes de projection et de manipulation du film tout en offrant des instantanés singuliers de la vie domestique ou du monde qui l’entoure. La Bolex étant une de ses caméras fétiches, nous ne pouvions manquer de l’inviter.

À partir des années 1980, la London Film-Makers’ Co-op voit s’opérer un retour vers des formes de cinéma plus figuratives, en partie en réaction au cinéma structuraliste de la décennie précédente. On observe également un nombre croissant de femmes qui s’emparent de la caméra pour réaliser des œuvres personnelles, parfois poétiques, ou des films liés à des questions culturelles. Ce mouvement prend encore davantage d’ampleur dans les années 1990, avec des films qui marquent une période d’épanouissement d’un cinéma qui se conjugue désormais aussi au féminin. La London Film-Makers’ Co-op a joué un rôle particulièrement important en facilitant des formes d’expérimentation diverses, qui n’auraient pas pu se développer avec une telle ampleur au sein de structures cinématographiques traditionnelles. En compagnie de Vicky Smith, réalisatrice de films expérimentaux depuis plus de 30 ans et membre très engagée de la LFMC, où elle a animé de nombreux ateliers, nous reviendrons sur le rôle qu’a joué la caméra Bolex dans ce cinéma au féminin.

Dans le cadre de la sixième édition de Nourrir Bruxelles, festival sur les enjeux de la transition alimentaire, sociale et écologique en région bruxelloise, le Nova accueille une séance-rencontre autour d’un documentaire sur les difficultés de transmission des fermes familiales et de la culture paysanne locale dans un marché globalisé qui privilégie l’industrie agro-alimentaire et les grandes exploitations agricoles. Cette soirée clôturera aussi la journée internationale des luttes paysannes au cours de laquelle associations, militant·es et paysan·nes d’ici et ailleurs - notamment de Philippine, du Brésil et du mouvement La Via Campesina -, se réuniront dans le quartier européen pour dénoncer les accords de libre-échange, dont celui UE-Mercosur en passe de ratification. Outre la discussion, la convivialité sera de mise dès 18h30 dans le foyer-bar du Nova avec une table d’hôtes des Gastrosophes dont la cuisine conjugue circularité et solidarité.

À la suite de la crise du lait de 2009 où le monde paysan s’est soulevé face à des mesures européennes menaçant toujours plus sa survie, le documentaire "Il a plu sur le grand paysage" part à la rencontre d’agriculteurs-éleveurs du pays de Herve, à l’est de la Belgique, terre natale du réalisateur qui interrogeait déjà son avenir en 1981 au travers sa fiction "Le Grand paysage d’Alexis Droeven". Neuf hommes et femmes, bien informés sur ces politiques délétères, se succèdent face caméra, expliquant leur amour du métier, l’évolution de leurs fermes au fil des générations jusqu’à l’impasse des possibilités d’avenir imposées par une mondialisation où l’humain disparait. Filmé en 35mm avec beauté et sensibilité, tout en laissant la parole et une émotion bouleversante s’exprimer, "Il a plu sur le grand paysage" est une véritable ode à une culture paysanne en train de disparaître, terminant sur un appel à résister face à une crise bien plus large touchant l’ensemble de la société.

En 1952, Anita Conti embarque pour six mois à bord d’un chalutier qui parcourt l’Atlantique Nord à la recherche de morues. Elle partage le quotidien éprouvant des marins lors de cette longue campagne. Munie de ses appareils photo et de sa caméra, elle documente les gestes du travail, la fatigue et la solidarité à bord. Ses carnets et ses images composent un récit sensible qui témoigne de l’immersion de la première femme océanographe française dans un milieu exclusivement masculin, où les corps des hommes sont mis à rude épreuve. Pour Conti, l’océanographie est une discipline ’’totale’’ : comprendre la mer, c’est aussi raconter celles et ceux qui en vivent. Après avoir monté une pièce sur les femmes océanographes, Louise Hemon nous propose un film dont l’approche sensible permet à Anita Conti elle-même de prendre du recul sur ses images.

Pendant près de cinq siècles, les Terre-Neuvas ont pris le large depuis l’Europe en direction des côtes du Canada pour pêcher la fameuse morue. Lors de ces campagnes de six à huit mois, à 4 000 km de chez eux, ces hommes travaillaient dans des conditions extrêmement dures, environ douze heures par jour, à bord de bateaux qui, au fil des années, étaient devenus de véritables usines flottantes. Ce film collectif, réalisé en 1992 par des étudiant·e·s de l’IDHEC (actuelle Fémis), nous fait revivre ces campagnes à travers des images d’archives amateur collectées pour l’occasion. Ce sont les pêcheurs eux-mêmes qui racontent leur quotidien avec des lettres et des témoignages. Afin de ne pas oublier ces hommes contraints de travailler à des cadences toujours plus rapides, dans un froid saisissant, avec la fatigue qui s’accumule et les dangers de l’océan.

Samson est un baleineau qui apprend à se débrouiller dans l’océan au sein de son groupe de baleines. Dans l’immensité de l’océan, il commence à découvrir le goût de la liberté aux côtés de Sally, une autre baleine de son âge. Les dangers existent dans les profondeurs, mais c’est lorsqu’il faut remonter respirer à la surface que la menace est la plus grande : des monstres d’acier rôdent. Samson rêve de retrouver le vieux Moby Dick, cette baleine blanche légendaire qui, dit-on, pourrait les sauver. Il finit par s’éloigner de son groupe et part à l’aventure pour trouver des réponses. Pourquoi Moby Dick est-il resté invisible si longtemps ? Et pourquoi tarde-t-il à venir les sauver ? Cette libre adaptation du mythe est le premier long métrage du cinéaste danois Jannik Hastrup, qui s’était auparavant illustré par de nombreux courts métrages d’animation, dont le superbe ‘’Benny’s Bathtub’’, qui explorait déjà l’imaginaire des mondes aquatiques.

Dans ’’L’Homme d’Aran’’, en cette île du nord de l’Irlande exposée aux grands vents de toutes les tempêtes atlantiques, où seule la mer offrait à la communauté insulaire de pouvoir survivre, Flaherty filmait des marins perdus, submergés par des vagues déchaînées, sous les regards anxieux de leurs familles : rentreront-ils un jour ? Prendre le large, à bord de vielles barques, pour les besoins d’un film, pour rejouer une pêche ancestrale, quel qu’en soit le prix à payer, fut leur décision souveraine. Cinq ans auparavant, les goémoniers des îlots d’Ouessant avaient fait la même proposition à Epstein pour ’’Finis terrae’’, chef-d’œuvre du cinéma alors à peine sonore. A leur suite, Rossellini, de Seta, Perrault et Brault, entreprirent à leur tour d’orchestrer ce rapprochement entre mythes et matières (le vent, les lames, les récifs et l’écume) pour que vivent à l’écran les gens de mer. Critique itinérant, compagnon de route du Nova, professeur à l’Insas, mais avant tout conteur ’’en’’ cinéma, Patrick Leboutte nous propose de prendre l’air du large et de traverser avec lui cette histoire maritime du cinéma lors d’un échange entrecoupé d’extraits comme autant de bouteilles à la mer.

Au moins 2, si pas 3 raisons ont attiré le cinéaste canadien Pierre Perrault sur l’Île-aux-Coudres au Québec : la langue, la pêche aux marsouins, et… l’amour. Mais ça, c’est une autre histoire. Toujours est-il que ce lieu le marquera à vie. Il y tournera son premier film ‘’Pour la suite du monde’’, puis ‘’Le Règne du jour’’ en 1967, et enfin ‘’Les Voitures d’eau’’ en 1968. Lorsqu’il se rend pour la première fois sur cette petite île de 101 m² , il découvre une communauté accueillante bien que fortement patriarcale. Leur langage et leurs gestes réveillent en lui tout un imaginaire mythique autour de la puissance de la mer, du règne animal et du culte des ancêtres. Accompagné de Michel Brault, Pierre Perrault propose alors aux habitant·e·s un pari fou : retranscrire pour un film la pêche au marsouin traditionnelle. Pionniers du cinéma direct, ils utilisent les caméras légères et le son synchrone pour nous faire voyager dans le temps, nous offrir un moyen de transmettre la parole mais surtout de rencontrer le véritable marsouin, personnage central évidemment !

Dans le matériel de prise de vue dont dispose l’Academic Film Center on retrouve une caméra Bolex qui, à l’époque de l’ex-Yougoslavie, devait être importée, mais aussi une autre caméra emblématique : la Krasnogorsk. De fabrication soviétique, cette caméra a été très populaire dans tous les pays de l’Est et est pour certains aspects comparable à la caméra Bolex. Il s’agit ici aussi d’une caméra à ressort, qui fonctionne avec une bobine de 30m (pour une durée d’environ 3 minutes), au design robuste et quand même bien plus lourde que la Bolex. Elle a souvent été utilisée pour des films à petit budget, tournés caméra à la main, souvent dans un style documentaire, comme par exemple par des réalisateurs de la Black Wave yougoslave. Nous vous proposons une brève immersion dans les archives de l’AFC, en compagnie de notre invité Milan Milosavljević qui nous a concocté un programme de films tournés avec la Bolex et la Krasnogorsk, ainsi qu’en bonus deux films tournés en Super8 et 8mm.

Au début des années 1970, Vukica Đilas — une journaliste, critique de cinéma, artiste et activiste serbe - entreprend de filmer des moments choisis de sa vie personnelle. Cela se passe dans un contexte où très peu de femmes pouvaient réaliser des films. Pendant plus de vingt ans, elle documente non seulement des moments intimes et personnels, mais aussi des fragments de vie saisis au fil du temps dans le milieu culturel et social de Belgrade. Sa caméra se glisse dans divers événements marquants, de la venue de la réalisatrice Agnès Varda ou du musicien John Cage, à des rassemblements étudiants où on entrevoit par exemple une jeune Marina Abramović. Au total, 35 bobines (environ 120 minutes) ont été conservées et projetées intégralement à la cinémathèque yougoslave en 2006, après le décès de la réalisatrice. Près de dix ans plus tard, le réalisateur Slobodan Šijan en a sélectionné 18 pour créer ce film de 50 minutes. "Home Movies" retrace chronologiquement la vie de Vukica et révèle une évolution stylistique, passant de plans courts presque photographiques à des séquences plus longues, dans la ligne directe des "diary films"/ journaux filmés de (...)

Dans un texte publié il y a quelques années, Olivier Smolders raconte l’histoire d’un ami d’enfance rebelle et peu ordinaire. S’adressant à lui, il y évoque des souvenirs bien réels. Lorsqu’il a voulu porter ce texte à l’écran, le cinéaste a choisi de ne pas recourir à des images de sa jeunesse. Il s’est finalement tourné vers l’IA générative, qui a transformé le projet en un "film dans l’air du temps", fait d’images aléatoires, traversées de maladresses et d’hallucinations. Entre réel et fiction, et au-delà de ses qualités propres, cette expérience de cinéma a nourri l’écriture de "La Mélancolie des crevettes", un carnet de notes consacré à l’usage de l’IA que Smolders vient de publier et qu’il nous présentera ce soir.

IA générative ou statistique : outil révolutionnaire de productivité, assistant de créativité, voire instrument d’émancipation ? C’est la partie visible de l’iceberg, brillante et bien marketée. Mais sous la surface de ce monde numérique se cachent impacts environnementaux, sociaux, économiques, politiques et philosophiques : épuisement des ressources, crise climatique, néo-colonialisme, exploitation, bulle économique, abrutissement, aliénation… Comprendre ces enjeux peut encore nous permettre de réorienter le cap. La créativité reste l’apanage de l’humain, seul capable d’innover en sciences, art et philosophie. À nous de reprendre collectivement la barre et de choisir notre avenir. Nicolas Dufresne, réalisateur et producteur de films d’animation, passionné de logiciels libres et animateur du podcast "La Fourmi dans la Coquille", partagera enquêtes et réflexions philosophiques sur sciences, techniques et métiers créatifs.

Avec cette conférence‑performance qu’il décrit comme "une rhapsodie du genre industriel", Olivier Bosson part d’un constat étrange  : dans son dossier de travail pour un film d’enquête sur l’industrie, tous les documents pertinents parlaient soit de cyberattaques, soit de bébés, ou des deux à la fois. Fasciné par ces coïncidences, Bosson se lance dans une course à travers ces histoires apparemment disparates pour voir ce qu’elles disent de notre manière de vivre au cœur de la société industrielle contemporaine. Anecdotes personnelles, faits divers, notes, images et réflexions tissent un récit polymorphe sur la numérisation, la vulnérabilité et la condition humaine dans le capitalisme industriel et technologique. "Cyberattaques & Bébés" est une exploration performative de nos peurs, de nos dépendances et de nos contradictions, nous invitant à repenser notre rapport aux machines, à la sécurité et à l’intime.

Jérôme Laronze, éleveur de 36  ans, militant contre l’agro‑industrie, a été abattu par un gendarme le 20 mai 2017 après des mois de conflit avec l’administration de l’élevage. Olivier Bosson a enquêté sur la dynamique qui a conduit à cette tragédie rurale et sociale. Tourné sur les lieux du drame, en Saône‑et‑Loire, "La Chanson de Jérôme" prend une forme hybride entre documentaire et fiction. Des amis de l’éleveur, des voisins et habitants du village y incarnent les différents protagonistes de l’affaire — des paysans aux inspecteurs de la Direction départementale de la protection des populations, en passant par syndicalistes et avocats. Cette reconstitution collective est la grande force du film. Elle ne cherche pas l’objectivité froide mais une vérité vécue   : mettre en lumière la violence des normes appliquées sans discernement et la solitude des petites communautés face au rouleau compresseur administratif.

Marie Losier s’approche du mystère des Residents sans chercher à le résoudre. Depuis les années 1970, ce collectif américain avance masqué derrière ses célèbres têtes en forme d’yeux géants, cultivant anonymat, humour absurde et expérimentations musicales radicales. Plutôt qu’un documentaire explicatif, la cinéaste compose une dérive libre dans cet univers singulier. Guidée par Homer Flynn, leur manager et gardien de la mythologie du groupe, elle fouille archives, souvenirs, images rares et fragments d’histoires. Fidèle à son cinéma artisanal et joueur, tourné en pellicule, Losier transforme cette exploration en un film à la fois bricolé, tendre et malicieux. "Barking in the Dark" devient alors moins le portrait définitif d’un groupe que la traversée d’une légende underground — une célébration de l’étrangeté, de la liberté artistique et du plaisir de rester insaisissable.

Quelle rencontre que celle de Marie Losier et de Felix Kubin ! Leur joie créatrice commune alliant expérimentation généreuse et facéties, l’un en musique, l’autre en image, fusionne de manière fluide et organique dans une danse à l’énergie contagieuse. Comme à son habitude, Marie Losier propose un portrait personnel des différentes facettes de l’artiste. On retrouve Felix en résidence, en création, chez lui, en concert, et bien sûr personnage consentant de mises en scènes prolongeant son univers. On en ressort en ayant l’impression d’avoir passé un moment intime avec lui, tout à sa pertinente légèreté, mais en en sachant plus sur son parcours, ses façons de travailler, sans toutefois que la magie ne s’estompe. Un vrai jardin plein de beauté !