La peinture, Hervé André la considère davantage comme un outil qu’un art en soi. Tout comme le texte ou le dessin, qu’il pratique au quotidien, dans des carnets, au gré de balades solitaires à pied ou en voiture, dont il ramène des humeurs, des situations, des formes ou des matières. Tout comme, également, la technique de l’animation, qui s’élabore minutieusement, avec des moyens légers, dans son atelier d’un quartier populaire de Marseille. Tout comme, enfin, la musique, qui prend la forme d’un folk hybride, proposé plus souvent dans des sessions intimistes que sur des scènes. Pour sa visite à Bruxelles, Hervé André amènera dans sa camionnette toute une série d’éléments créés avec ces différents matériaux. De quoi composer une exposition dans une variété de palettes stylistiques, poétiques ou acerbes, en noir et blanc ou en saturation de couleurs, mais toujours en relation avec les films que vous pourrez voir sur notre écran. Il apportera aussi avec lui ses instruments de musique, qu’il utilisera probablement lors du vernissage et du finissage… Et comme "Survi" nous le dit : "Il n’y aura pas de première, il n’y aura que des dernières mondiales." (...)

Les films d’Hervé André sont trop fluides, libres et évolutifs pour trouver place dans des lieux de consommation ou dans des espaces trop cadrés. L’occasion n’est pas fréquente de voir dans une salle ces assemblages de matières pétries, malaxées, partageant un sens particulier de la lumière, de la composition, du rythme et du montage. Alors, en prolongement du vernissage de l’expo "Dernières mondiales", ne manquez pas cette projection de 11 essais filmiques – dont la durée oscille entre quelques secondes et plusieurs minutes chacun : "Sois Venu", "Scène de Sexe", "Simple", "Real papier peint jusqu’à clous", "Là, c’est Ortaire", "TOXXL", "Yohane", "Pendant ce temps", "hymer", "Esclave maître", "Cinekit" (environ 40 minutes au total). Et pour que toutes les particules soient réunies, Hervé André improvisera en musique sur des travellings filmés de certains de ses dessins grands formats. Esprits curieux et ouverts, cette séance est pour vous !

Face aux logiques extractivistes et à l’appétit des multinationales, le peuple Mapuche s’organise, prend la parole et affirme sa résistance contre l’accaparement de ses terres ancestrales. Il ne s’agit pas ici d’un simple manifeste écologique, mais d’une manière d’habiter la terre, dans une relation millénaire, respectueuse et profondément enracinée. À travers leurs voix, les Mapuches nous rappellent que la défense du territoire n’est pas qu’une lutte foncière : c’est aussi une résistance à toutes les formes de colonisation – passées et présentes – qui continuent à déposséder les peuples autochtones de leurs terres, de leur culture et de leur autonomie. Cette résistance mapuche, enracinée et digne, éclaire et nourrit les luttes intersectionnelles d’aujourd’hui. Elle nous invite à imaginer d’autres mondes, où justice sociale, mémoire et écologie s’entrelacent à l’échelle mondiale.

Lina se retrouve forcée de quitter son mari et son fils pour tenter sa chance à Paris, dans l’espoir de leur envoyer de l’argent afin de financer leurs projets en Chine. Mais, comme beaucoup de femmes immigrées, elle se heurte rapidement à une réalité bien plus dure que prévue. Précaire et en insécurité, elle se fait exploitée comme nourrice avant de faire la rencontre d’une jeune femme originaire de la même région, qui va l’aider à tenir bon tout en respectant son engagement envers sa famille. Mais cela ne se fera pas sans sacrifices. Olivier Meys nous livre ici un récit poignant sur la face sombre de l’immigration des ressortissantes du Dongbei, une région du nord-est de la Chine. Un film entre cette région qui périclite depuis la fin de l’industrialisation des années 90 et le 13ème arrondissement de Paris qui abrite une importante diaspora asiatique. Si Lina parvient à trouver un équilibre dans cet enfer urbain, c’est notamment parce qu’elle est portée par une sonorité intense et bouleversante, tissée dans la douleur et dans l’amour.

Suite au conseil de Bernadette à Jacqueline de demander à Gustave d’intervenir auprès de Jérôme avec qui elle ne veut plus parler, Jacqueline téléphone à Gustave qui refuse finalement de l’aider sans lui dire pourquoi. Elle joint Denise qui connaît la raison, mais ne veut pas lui dire non plus, tout en lui proposant de l’aider… Avec une économie déconcertante de moyens, "Téléphone" est formé d’une suite de plans séquences de conversations téléphoniques entre ses protagonistes, sans jamais entendre la personne au bout du fil. Au spectateur d’imaginer leur dialogue à partir de bribes d’infos, onomatopées ou autres interjections, qui confinent parfois au comique malgré le sérieux de la discussion. Vous l’aurez compris, le nouveau long métrage de Jean-Marie Buchet continue de creuser l’absurdité de la (non) communication entre les êtres, tout en prenant un malin plaisir à dénaturer la narration cinématographique, quitte à se mettre à dos une partie du public. Une expérience situationniste à ne pas regarder au premier degré si vous voulez passer un bon moment !

Quatre amis, deux filles et deux garçons, encore un pied dans l’adolescence, voient leurs rêves et leurs amours inavoués toucher à leur fin depuis que la plus admirée de leur bande, Mireille, fréquente un comptable rencontré au bureau où elle travaille comme dactylo. Leur mariage est en vue, mais Mireille doute, reflétant les angoisses de ses amis face à la vie rangée qui les attend. "Mireille dans la vie des autres", tout juste restauré par la Cinémathèque Royale de Belgique, continue dans la veine minimaliste faussement sérieuse entamée par Buchet en 1974 avec son premier long métrage "La Fugue de Suzanne" (diffusé en 2001 au Nova). Plus ambitieux – le film bénéficie d’une aide à la production, d’un producteur et d’une équipe de tournage conséquente –, la trame n’en reste pas moins succincte, "où il ne se passe rien, mais où il se passe quand même quelque chose". À l’image des dialogues, volontairement "pauvres", jusqu’à l’absurde, qui n’en décrivent pas moins de manière malicieuse, lucide, voire poétique, le désarroi d’une génération face à l’impasse d’une vie convenue rejetée tout au long de sa jeunesse, mais qu’elle ne peut s’empêcher de rejoindre.

Clips, films d’animation, vidéo commerciale et court métrage se partagent cette séance de projection qui jette une autre lumière sur le talent protéiforme des auteurices de L’Employé du moi. My Dad Saw This Movie About Vampires Zad Kokar, 2022-2024, FR, NO DIAL, 3’ All about LVB Max Baitinger, 2014, DE, NO DIAL, 2’ Pirate bay (Cheveu) Pierre Ferrero, 2015, FR, NO DIAL, 4’ ÄLGEN Erik Svetoft, 2019, SE, NO DIAL, 8’ Popogaria Mortis Ghost, 2024, BE, NO DIAL, 4’ Open relationship Zad Kokar, 2022, FR, NO DIAL, 4’ Ce qui bouge est vivant Noémie Marsily, 2022, BE, VOFRSTNL, 11’

La peinture, Hervé André la considère davantage comme un outil qu’un art en soi. Tout comme le texte ou le dessin, qu’il pratique au quotidien, dans des carnets, au gré de balades solitaires à pied ou en voiture, dont il ramène des humeurs, des situations, des formes ou des matières. Tout comme, également, la technique de l’animation, qui s’élabore minutieusement, avec des moyens légers, dans son atelier d’un quartier populaire de Marseille. Tout comme, enfin, la musique, qui prend la forme d’un folk hybride, proposé plus souvent dans des sessions intimistes que sur des scènes. Pour sa visite à Bruxelles, Hervé André amènera dans sa camionnette toute une série d’éléments créés avec ces différents matériaux. De quoi composer une exposition dans une variété de palettes stylistiques, poétiques ou acerbes, en noir et blanc ou en saturation de couleurs, mais toujours en relation avec les films que vous pourrez voir sur notre écran. Il apportera aussi avec lui ses instruments de musique, qu’il utilisera probablement lors du vernissage et du finissage… Et comme "Survi" nous le dit : "Il n’y aura pas de première, il n’y aura que des dernières mondiales." (...)

Comment diffuser son travail quand il s’agit justement qu’il soit tel que les lieux de culture marchande ou touristique ne puissent l’accepter ? "C’est de ces impasses et paradoxes que naissent des formes comme des issues", dit Hervé André. "Survi" est l’une de ces formes et sa particularité est d’être la plus longue qu’il ait réalisée en animation. "Vingt ans de travail", dit-il, tout en admettant que pendant une bonne partie de ce temps il n’avait pas conscience de faire un film. "Survi", c’est une alchimie de traits, d’encre, de cadrages et de sensations. Comme un road movie où l’on poserait le regard sur des paysages banals – une périphérie, un bord de mer… – avant de s’éveiller dans la frénésie étrange du rêve. "Survi", c’est un objet qui n’existe que par lui-même. Sans concession. Un poème qui onirise, ironise, analyse, et qui manifeste contre la production artistique actuelle. Une tentative de faire face à ce monde dystopique et consumériste. Un en-dedans mis au dehors.

Floris Vanhoof, savant fou du 16mm, a choisi les technologies analogiques non pas par romantisme, mais pour les explorer, les détourner. Ce cerveau à mille têtes venu d’Anvers conçoit lui-même ses machineries et installations, en explorant et confrontant la frontière entre image, lumière et oscillations sonores. Ici, l’image et le son inventent leur propre grammaire et refusent la conjugaison, préférant l’organique, la cacophonie urbaine, la mécanique du jouet daté… Au programme : trois courts métrages suivis de son dernier travail, "The Shannon Limit", projeté à l’aide de plusieurs 16mm sur un Live soundtrack de Floris derrière ses modulaires. Notre perception est testée avec une avalanche de plans image par image, à fréquence de projection aléatoire (mais scientifique), inspirée d’une borne théorique posée là par Claude Shannon, mathématicien et trouble-fête. Images et sons venus d’ailleurs : Florisland.

Deux autres loubards. C’est au rythme martial des tambours qu’Arno De Bock et Stein Wybouw se sont rencontrés pour former De Mond. L’un tambouille sa batterie, l’autre aussi, en plus de machines. Leur album "Glow", sorti en 2024 sur le label Futura Resistancia, fait écho à des similitudes sonores empruntées au doom, au dub ou bien à l’indus. En d’autres mots, des boucles kaléidoscopiques sont empilées sur des bruits anarchiques qui s’équilibrent au-dessus de parties de batterie en ébullition. Et bim. Parfois, ça jazze. Dans ce capharnaüm, qui de mieux pour mettre en lumière le tout ? Les installations épileptiques de Floris Vanhoof feront liant entre photons et infra-basses. Le trio a déjà fait œuvre à De Koer et aux Brasseries A****, mais c’est adapté à la salle du Nova qu’ils dégaineront leur magie. Préparez vos synapses à la surcharge. Ça fait vibrer la rate, ça fait loucher les paupières. Un live à en prendre plein les mirettes, comme on dit. Glow de DE MOND

Alors qu’il enquête sur une affaire de trafic de drogues, un policier se fait tuer. L’inspecteur Favenin, joué par Michel Bouquet, cherche à le venger en ne reculant devant aucune méthode. “La police c’est un métier sale, qu’on ne peut faire que salement”, assène-t-il. Derrière le récit d’une escalade de la vengeance, Boisset dépeint avec force la violence et les failles d’un système d’État. Le ministre de l’intérieur de l’époque, Raymond Marcellin, essayera de faire interdire le film, parce qu’il donne selon lui une trop mauvaise image de la police. Il ne l’obtiendra pas, mais réussira malgré tout à le faire amputer de deux séquences, dont celle d’un interrogatoire jugé trop musclé. “Un condé”, troisième film de Boisset (avec Michel Constantin et Rufus dans de bons seconds rôles), est un polar brutal et subtil qui pose les bases d’un cinéma résolument politique.

Yves Boisset a coutume de se saisir d’un fait divers ou d’un fait de société pour le transformer en fiction. "L’Attentat" plonge dans les sombres intrigues de la guerre froide à travers l’assassinat d’un opposant politique exilé, inspiré par l’affaire Ben Barka. Jean-Louis Trintignant incarne un militant de gauche en quête de rédemption, un homme traqué après avoir témoigné d’un meurtre orchestré par des puissances occultes. Complot, vous avez dit complot ? Avec une tension haletante et un réalisme saisissant, Boisset dénonce les complicités entre États et services secrets, mêlant suspense et engagement. Le film, interprété par Jean Seberg, Michel Bouquet, Roy Scheider et Gian Maria Volonté dans le rôle de Ben Barka... heu pardon, de Sadiel, reste une œuvre phare du cinéma politique des années 1970, reflétant les obsessions de son réalisateur pour la justice et les manipulations géopolitiques.

"R.A.S.", film culte d’Yves Boisset, plonge dans l’absurdité et la violence de la guerre d’Algérie à travers le regard des soldats français. Adapté du livre de Roland Perrot (qui, pour la petite histoire, sera plus tard le fondateur de la coopérative Longo Maï), le film dépeint l’endoctrinement, la peur et la désillusion d’une jeunesse sacrifiée. Boisset y dénonce sans fard l’hypocrisie militaire et l’horreur des "opérations de maintien de l’ordre". Mobilisé lors de cette guerre, il fut tellement malmené et humilié par ses supérieurs et ses congénères qu’il termina réformé après avoir chopé la crève. De cette expérience, il dit : "L’armée a au moins cette vertu : réussir à force de bêtises et de brimades inutiles, en quelques mois, à faire d’un garçon sans conviction particulière un antimilitariste irréductible". Avec un casting impressionnant, qui offre à Jacques Villeret et Jean-François Balmer leurs premiers rôles au cinéma, le film évite tout héroïsme pour montrer l’homme broyé par la machine guerrière, l’humanité perdue dans un conflit sans nom. Un puissant cri anti-guerre à (re)découvrir.

Peut-être le film le plus célèbre d’Yves Boisset, l’un des plus durs et violents, où la mise en scène, l’écriture et la direction d’acteurs sont les plus maîtrisés. Dès le titre, référence au concept du français moyen des années 1970, tout y est traité au vitriol, mais avec une justesse qui glace le sang. Un cafetier parisien passe chaque année, avec femme et fils, ses vacances dans un camping du sud où il retrouve les mêmes comparses. Non loin de là, un chantier emploie et loge des ouvriers maghrébins mal payés. Lorsque qu’un crime immonde est commis, ces ouvriers pourtant innocents sont très vite pointés du doigt par les campeurs chauffés à blanc. Aux côtés de Jean Carmet, on retrouve des habitués de Boisset (Victor Lanoux, Michel Peyrelon), des gueules du cinéma français, tandis qu’Isabelle Hupert et Jean-Pierre Marielle en imitateur de Guy Lux impressionnent. Pour une fois, le flic n’est pas une ordure (Jean Bouise campant un excellent commissaire), l’aliénation ne vient pas d’une institution autoritaire mais écrase tous les personnages du film, pauvres bougres enfermés dans un cycle de violence sans issue.

Dans son dixième long métrage, Yves Boisset s’inspire une nouvelle fois de faits réels : l’assassinat du juge François Renaud (que la presse surnommait "Le Shériff"), survenu deux ans plus tôt à Lyon. Le réalisateur se sert des faits pour construire une série noire lui permettant de se confronter à ses sujets de prédilection : le pouvoir, l’argent, le racisme, le colonialisme… Patrick Dewaere incarne littéralement le personnage de Jean-Marie Fayard, jeune juge d’instruction intègre et fougueux. À partir d’une affaire de hold-up en apparence banale, Fayard se lance dans une investigation qui s’avère de plus en plus tortueuse, et le mène d’assassins en policiers corrompus, de promoteurs immobiliers en politiciens véreux, en passant par des nostalgiques de l’Algérie française… À la sortie du film, le Service d’Action Civique (SAC), police parallèle du régime gaulliste, fondée pendant la guerre d’Algérie, obtient d’ailleurs la censure de quelques scènes et fait couvrir son nom par un bip. En effet, Boisset implique le SAC dans l’affaire que le juge Renaud cherchait à démêler. Une thèse probable, même si l’affaire n’a jamais été élucidée.

Maya et son papa vivent dans deux pays différents. Pour maintenir le lien avec sa fille et continuer à lui raconter des histoires, son papa lui demande chaque soir : " Maya, donne-moi un titre ". À partir de ce titre, il lui fabrique alors un dessin animé dont elle est l’héroïne.

Arrivée du Burkina Faso, Jahia vit dans un centre d’asile en Belgique. Effrayée par l’avenir, elle s’isole peu à peu. Jusqu’au jour où elle croise Mila, une fille biélorusse, qui l’entraîne dans son univers débordant d’énergie. Cet été, placé sous le signe de l’amitié, changera leur vie à jamais !

Les cinéastes présentent leurs films destinés aux jeunes, films d’animation, films de fiction et documentaires en phase de (pré-)production. Cette session est ouverte à tous les professionnels qui souhaitent être au courant des dernières productions belges. Le public de professionnels peut poser des questions, donner son avis ou même forger de nouvelles collaborations ! Projets présentés : "A Lamb’s Stew" de Perrine Gauthier "The Island of the Colorblind" de Sanne de Wilde "Outfoxed !" de Eric Goossens & Anton Roebben "Met de noorderzon" de Sven Spur, Bert Lesaffer & Nelson Polfliet

Acrobate guinéenne de 14 ans, Fanta s’occupe de sa mère et va à l’école. Ce qu’elle aime le plus, c’est de s’entraîner avec les autres acrobates. En tant que l’une des seules filles du groupe, elle essaie de répondre aux attentes de tout le monde. Progressivement, Fanta commence à se demander ce qu’elle veut vraiment le plus.